Códigos EAN, ISRC y UPC

Los códigos EAN e ISRC son identificadores esenciales para tu álbum y tus canciones, ya que permiten que estos reciban una identificación exclusiva y permanente. A continuación, damos respuesta a aquellas dudas sobre estos códigos.

¿Qué es un código EAN? 
Un EAN, European Article Number, es una serie de 13 dígitos que identifica tu obra en todo el mundo. Es un código exclusivo adoptado por más de un millón de empresas en más de 100 países.

¿Qué es un código ISRC? 
Un ISRC, International Estandar Recording Code, es un código que identifica cada una de las canciones de tu álbum o single. Permite simplificar la gestión de derechos de las grabaciones cuando se distribuyen a través de diferentes canales.

Ya tengo código EAN o ISRC ¿puedo utilizarlos para mi nueva obra?
Podrás utilizarlos siempre y cuando no los hayas usado para identificar otro álbum o single en nuestra plataforma. Como ya hemos dicho anteriormente, se tratan de códigos exclusivos y permanentes que identifican tu producto, por lo que su uso en productos diferentes podría llevar a errores en los reportes o incluso a que tu producto no se distribuya.

Dispongo de UPC en vez de EAN, ¿podría utilizarlo? 
Sí. El código UPC, Universal Producto Code, se trata de la versión estadounidense del código EAN y tiene la misma validez.

También voy a lanzar mi producto en formato físico, ¿puedo utilizar los códigos EAN e ISRC? 
Efectivamente, podrás hacer uso de ellos en el formato físico. Recuerda que debe tratarse del mismo producto para evitar futuros errores.

Ya dispongo de un ISRC en mi single y quiero incluir la misma canción en mi álbum, ¿debo utilizar el mismo código ISRC?
Sí, debes usar el mismo código ISRC de tu single ya que así, como decíamos anteriormente, evitaremos errores en los reportes.

Así se diseñó sobre papel cuadriculado Super Mario

El Nintendo Direct que la compañía ofreció ayer con motivo del E3 fue uno de los más surrealistas en mucho tiempo. Pero entre toda la paja (y mira que hubo), Miyamoto dejó entrever una pequeña perla: cómo fue el proceso de creación del primer Super Mario con papel cuadriculado y papel cebolla. 
Hace 30 años (Super Mario Maker es, técnicamente, un homenaje al trigésimo aniversario del juego), los recursos eran muchísimo más limitados y antes de enviar cualquier cosa a producción, a los programadores, esta tenía que ser diseñada y evaluada cuidadosamente. Para ello, Miyamoto y su equipo diseñaban primero los niveles en papel cuadriculado y cuando eran necesarias modificaciones, las realizaban sobre papel cebolla. 

Como puede verse, en algunos de los bocetos iniciales, Mario podía montarse sobre las nubes, una característica que no llegaría hasta unos juegos más tarde (y que puede replicarse en Super Mario Maker). 

Durante el Evento Digital de Nintendo E3, Miyamoto compartió imágenes y documentos de diseños originales del viejo del Videojuego Super Mario. Pueden ver la explicación de los antiguos procesos de diseño con el video (Alrededor de los 38 segundos) y aunque no está en castellano se entiende! 

 

Con el paso de los años, Nintendo fue desarrollando herramientas a nivel interno que facilitaban enormemente la tarea de creación y diseño. Esa misma herramienta es la inspiración y gran parte de la base de la que se ha partido para hacer Super Mario Maker, aunque permite realizar todo tipo de funciones y experimentos que no se permiten en el juego original, como meter goombas en el agua, por ejemplo, o transformar el diseño de Mario según el Amiibo utilizado. 

En el vídeo completo del Nintendo Direct puede verse más sobre ese proceso de creación y el resto de detalles que dieron lugar a uno de los videojuegos más míticos de todos los tiempos. 

 

Los cambios tenían que ser los mínimos porque, por limitaciones de diseño y de código, una vez se había construido un nivel concreto ya no eran tan sencillo modificarlo. La “magia” y la personalidad que tienen cada uno de los niveles de ese mítico Super Mario tiene un origen en realidad bastante sencillo. Según Miyamoto, la mayoría de las veces esos niveles eran el resultado de dibujar algo que, simplemente, a él le apetecería jugar, el equipo de diseño y algunos retoques aquí y allá hacían el resto. 

El mítico primer nivel servía también como tutorial para el resto del juego y pasaron bastantes horas pensando y diseñando cada uno de los elementos. La idea era “arrojar” al jugador sin más al comienzo del juego y que él fuese poco a poco descubriendo todas las mecánicas. Los goombas al inicio y los champiñones (mushrooms) fueron diseñados con la intención de que el jugador percibiese al instante que debía huir de ellos o eliminarlos. Estos eran algunos de los primeros conceptos: 

Espero que les haya gustado!

Sobre los Premios Gardel

 Se llevó a cabo la decimoséptima entrega de los Premios Gardel. Aquí dejo algunas impresiones al respecto. 

Rock and Roll, dos

En la terna a Mejor Álbum Artista De Rock, Andrés Calamaro compitió contra Fito Paez y también contra Andrés Calamaro. Sí, el Salmón fue nominado en la misma terna por dos discos distintos (Jamón Del Medio y Pura Sangre). Se tratan, además, de discos en vivo sin material original. Esto significa, para CAPIF, que en un año hubo sólo un álbum de canciones nuevas digno de ser premiado (Rock And Roll Revolution). Y ese disco perdió. Lo que no se sabe es exactamente contra cuál de los dos discos de Calamaro perdió, porque nunca fue aclarado en la ceremonia. "Ganó Calamaro", simplificaron. 

Se llevó a cabo la decimoséptima entrega de los Premios Gardel. Aquí dejo algunas impresiones al respecto. 

 En la categoría Mejor Álbum Grupo De Rock, la situación fue similar aunque con otro resultado. El Baile Interior (Bersuit Vergarabat) se quedó con la estatuilla por sobre los discos de Huevo, Las Pelotas, Illya Kuryaki And The Valderramas y Eruca Sativa. Los últimos tres, al igual que los de Calamaro, son discos en vivo sin material original.

Pop para divertirse

Mientras los capos de La Industria se palmeaban la espalda congratulándose por otro año de conquistas, Lali Espósito subía al escenario a recibir su premio y a asegurar que llegó para proponer un "pop de mejor calidad".

En principio, durante su discurso no hizo mención a la consigna Ni Una Menos. 

Si la música pop fue el lugar donde simbolizar la liberación sexual en los 70 Bowie mediante, Lali desaprovechó su primera oportunidad para convertirse en un verdadero referente femenino pop. O entiende que su lucha viene por otro lado y que ser Pop es otra cosa. A miles de kilómetros de Argentina, Shirley Manson tuiteaba hoy: "De pie con todos nuestros fans en Argentina #NiUnaMenos". También lo hizo Lali, cuando la emoción garderil amainó.

Entonces, ¿para qué sirven los Premios Gardel?

En 2013, Afo Verde (principal ejecutivo de Sony Music) le aseguraba al diario La Nación que "la crisis que había era de creatividad, el resto era una transformación de industria". Afo hablaba en pasado porque ese año, y por primera vez desde 1999, la venta de discos en formato físico superaba al año anterior. Aunque el superávit había sido apenas del 0,03%, parecía haber razones para festejar.

En 2012, un año antes de que Afo Verde diagnostique falta de creatividad a los músicos argentinos, Él Mató A Un Policía Motorizado editaba de manera independiente el excelente La Dinastía Escorpio (un disco estandarte del rock argentino nacido post-cromañón) y Sony Music contrataba sólo un nuevo artista local: Agapornis.

Ni Laptra, ni Sadness, ni Estamos Felices, Ni Ringo, ni Triple RRR. ni Scatter ni ningún otro sello independiente que se te ocurra tuvo nominación alguna. Cada uno promueve bandas que tocan todos los fines de semana en lugares de todos los tamaños. Editan decenas de discos nuevos por año. La mayoría de ellos proponiendo música genuina que da vida a escenas igual de genuinas. Pero nada de eso tuvo resonancia en la entrega de Los Premios Gardel. Porque allí, una vez más, La Industria se dio la mano con La Industria. 

Fuente:
https://www.facebook.com/notes/sebasti%C3%A1n-chaves/sobre-los-premios-gardel/10152792379761607

Mindslave - Secular Indulgence (2015)

Allá por el año 2006 conocí a un gran tipo, muy buen violero con una voz prometedora, tenía un grupo que recién empezaba. El joven era Sebastian Horacio Fiore.
Hoy, 2015 vuelvo a ver noticias de su banda.
Recomiendo que escuchen este disco. Hace varios años que escuché un demo de un tema de este disco en el Bombardeo del Demo.

La instrumentación de los teclados en cada tema es muy acertada. Las melodías refinadas. Los solos no exageran en virtuosismo inservible como suele ser en el género sino que honran la necesidad de la canción. Cada tema tiene algo interesante para escuchar. Se nota en la primer escucha el gran trabajo de composición de todos los músicos. Hay mucha dedicación y se nota. El resultado final es como mínimo un disco que vas a escuchar mucho tiempo. Gran banda. Espero traerlos pronto a Luján a tocar con mi grupo, Bordenegro.
Si les gusta el disco, compártanlo.

DETALLE: Música, música y más música. Mucha música y musicalidad presenta este sorprendente álbum debut de Mindslave. Con sonido de Rock Pesado van estirando los límites del género progresivamente se suceden los compases musicales de sus composiciones, para transformarlos en un exponente que ahonda en diversos momentos de la historia del Rock. Los 70's, los 90's y fundamentalmente la actualidad, se funden en un todo homogéneo de tintes oscuros, a veces opresivos, otras dinámicos que van caracterizando el hacer dúctil y sagaz de los músicos que forman Mindslave. El claro y compacto sonido obtenido en los prestigiosos estudios Panda y PGM, realzan el resultado final en forma óptima y ponen al grupo en una posición de privilegio de cara al futuro desarrollo artístico. Encontrarse momentos de jazz, lírico o acústicos no es algo sorprendente, pero lo que sí llama la atención del oyente es la naturalidad con que lo logran. Y a todo esto, lo coronan con letras que apuntan directamente a los sentimientos oscuros y tristes del ser humano. La decepción, la frustración y el amor son parte del vocabulario propio del combo que sumado al arte del álbum y los arreglos de cada composición, dejan clara idea del buen gusto de los autores. Alcanzar el grado de maduración que obtiene Mindslave en una primera grabación profesional no es común.

Fuente:
www.elblogdecompo.blogspot.com

A veces la libertad...

A veces dan ganas de dejar de ser todo lo que no se desea ser para ser nuevamente, y ser un ser de libertad lo más plena que el mundo permite, pero si pudiera, dejaría un poco más con tal de un poco más de libertad. A veces hay que subir la música, darle un giro abrupto, para que el tinnitus se apague, para que la cabeza no pueda ser escuchada, para que todo lo que pase se suba con la distorsión como un humo a una altura que aun presente no nos importe, no pueda tocarnos, no pueda ser de nosotros, sea de otro o de nadie. A veces cuando se sube ese potenciómetro en un amplificador de guitarra nadie puede hablarme, sólo yo puedo emitir palabra y en esa perfecta despotez, sólo soy yo, y puedo ser escuchado. Puedo al fin estar en una soledad moderna, emitiendo mis filosofías diarias transformadas en vibraciones con una voz más grande que el peor de mis gritos. Y sin embargo estoy solo, pero con ellos, que gritan al lado mío sus sueños. A veces, en la soledad del silencio real, esa que no puedo escuchar nunca más, cuando nadie está cerca, suena una quena, suena un silbido, una voz que canta como un tordo perdido, que no quiere ser escuchado, no busca adeptos, ni perpetuidad, ni esto o lo otro, sino que quiere poder expresarse en libertad. A veces esa libertad es no tener que ser ni escuchado, ni explicado, ni retrucado, ni criticado, ni pensado, ni visto. A veces la libertad es otra cosa. Sólo ser.

Vulgar Display of Power

¿Sabía ud. de dónde viene la frase "vulgar display of power" que titula uno de los mejores discos de la historia?

Pantera -- A Vulgar Display Of Power

I came across this clip while watching The Exorcist recently. I bought AVDOP in 1992 and not until today did I know where they got the title. Interesting.

YOUTUBE.COM

El ceibo

(“Leyendas argentinas, de Inés Márquez”, 1957. Compaginación de Victoria Mabel Romero, Museo Histórico Regional Ichoalay, Resistencia, Chaco)        "Ya florecen los ceibos... y, en las costas del Paraná, parecen borbotones pregonando el sacrificio de una india que – lo dice la leyenda- se ofreció en aras de la libertad. Bello holocausto de princesa india. Era hija de un cacique. Tenía la bravura heredada de su estirpe... y los guerreros la llamaban cariñosamente “Anahí”: Malita.. Si, era brava Anahí... Un día se enfrentaron el acero español y la flecha guaraní. El león de Castilla y el yaguareté de las costas del Paraná estaban frente a frente. Todo parecía impregnado de una inquietud expectante... Hasta los pájaros desde sus nidos contemplaban la escena; el sol ponía color y brillo en los aceros... y el agua rumorosa entonaba, con la fuerza de la corriente, una marcha guerrera con acentos de profecía... De pronto, el cacique dobló la testa poblada de sudor... y una mancha roja... bien roja, parecía fatídica llamarada en el pecho del guerrero guaraní. El poniente se teñía a la distancia con tintes de agonía; y... mientras los hombres de la tribu huían en dolorosa derrota por la muerte de su jefe... el español tornaba al barco... pero esta vez la victoria dejaba en él un sabor amargo... muy amargo: en la costa había caído un valiente. Anahí no huyó... ; Anahí palpó la herida fresca del indómito padre. Y... una fuerza loca... fuerza selvática de virginal fiereza en que florecía su raza, la obligó a erguirse. Los vientos llevaron su grito de guerra... y las huestes convocadas acudieron al combate. El testimonio de la luna que se asomaba curiosa reemplazó al ardiente testigo que se ocultó de prisa. Anahí cayó prisionera... y la oscura bodega del barco fue su calabozo. Ella... Ella..., en el oscuro calabozo sin ver el sol..., sin contemplar la luna..., sin mirar la tierra... sin gritar sus derechos!

Uno tras otro los lebreles y carceleros fueron cayendo. Anahí parecía una débil mujer... Pero era una cachorra de tigre americano... heredera de una estirpe que no quería entregarse. Ya había caído el tercer centinela en vergonzoso y oscuro combate allá en la bodega del barco español... y, la ira del capitán no tuvo límites. Esa rebelde merecía la hoguera. La leña colocada al pie de un árbol ribereño... y sobre los leños: Anahí, fuertemente atada al tronco...

Ya subían las lenguas de fuego envolviéndola toda... y el tronco amigo pareció suspirar hondo... muy hondo. El corazón del árbol hospedó a la bella muchacha a quien los españoles vieron desaparecer. Poco después, en las ramas del árbol generoso, brotaron flores rojas... bien rojas que agitadas por el viento parecían desgranarse en arengas. Es Anahí que, año tras año, sigue gritando a todas las generaciones, que nunca es más bello el precio de la sangre que cuando se vierte en defensa de la libertad.

Fuente: http://www.viarural.com.ar/viarural.com.ar/agricultura/arboles-autoctonos/arboles-centro-y-norte/ceibo.htm

Modern Clix - Anécdota

Fito Páez decía que las palmas de No soy un extraño le parecían tétricas, luego hizo Tres agujas con los mismos acordes y la misma armonía...

Compositor se es o no se es

Robert Craft: "¿Desea ofrecer un consejo a los compositores jóvenes?"

Stravinsky: "Se es compositor o no se es; no se puede aprender el talento que convierte a uno en compositor y, lo sea no no lo sea, no necesitará nada de lo que yo pueda decirle. El compositor sabrá realmente que lo es si la composición crea apetitos en él y si al satisfacerlos es conciente de sus límites exactos. Del mismo modo, sabrá que no es compositor si sólo tiene "deseo de componer" o "le gustaría expresarse en música". Estos apetitos determinan peso y tamaño (...). También pondría en guardia a los compositores jóvenes, en especial a los norteamericanos, contra la enseñanza universitaria. Por muy agradable y beneficioso que sea enseñar contrapunto en una rica institución como Smith o Vasar, no estoy seguro de que ese sea el entorno adecuado para un compositor. Desde luego, los numerosos jóvenes que escriben música en las facultades universitarias y no llegan a convertirse en compositores no pueden culpar de ello a su formación universitaria. Y, en cualquier caso, no existe ningún modelo para el compositor auténtico."

De "Conversaciones con Igor Stravinsky" 
Autor: Robert Kraft

Fuente: 
http://www.armonicoenfuga.com.ar

¿Cuál es el olor a libro viejo?

Cuando un buen lector tiene entre sus manos un libro viejo, no puede evitar abrirlo y plantar sus narices en las páginas amarillentas. Es un olor familiar… y agradable. Esto se debe a que los compuestos químicos utilizados (el pegamento, el papel, la tinta…) comienzan a descomponerse. Es en concreto el papel, que contiene lignina (el polímero más abundante en el mundo vegetal), el que da ese olor tan característico.

Cuando la lignina se oxida, no solo da lugar al papel amarillento, sino también desprende más olor. Y aquí es donde las narices del buen lector se vuelven finas: tras la humedad y varios toques de hierba aparece la lignina, que es 'prima hermana' de la vainilla ¡de ahí que nos resulte tan agradable!

Como calibrar una guitarra con Floyd Rose

Si estás googleando ¿Cómo calibrar una guitarra con floyd rose? o ¿Cómo calibrar una guitarra con palanca? o te preguntás que carajo es un quintado. Bueno, este post es para vos.

Ajuste y quintado de un puente flotante tipo “Floyd Rose” 
Este artículo, confeccionado por el guitarrista de The Ugly Bitches y Alter Ego, da respuesta a una pregunta muy común. El puente "tipo" Floyd Rose puede convertirse en una pesadilla si no se conocen los pasos para que mantenga el ajuste. Estamos convencidos de que este trabajo servirá de ayuda y evitará que se vuelva a repetir la misma pregunta, ... siempre y cuando los despistados hayan usado el buscador. 
Aprovechando unas modificaciones que he hecho a una guitarra voy a explicar uno de los temores de cualquier guitarrista: el ajuste y quintaje de un Floyd Rose. 
En este caso, se trata de una B.C. Rich Mockingbird a la que se ha sustituido el Floyd Rose Licensed que llevaba originalmente la guitarra por un Floyd Rose Original. 

Vayamos por pasos: 

1 - Herramientas necesarias: 
 

Nada muy complicado: cable, afinador, las llaves Allen suministradas con el puente, destornillador plano, destornillador de estrella y los enseres propios para cambiar cuerdas (alicates, manivela...) 

2 - Graduar la altura del puente 

 

El puente se apoya en dos pivotes. Para graduar la altura es suficiente con subir o bajar los tornillos en los que se apoya el puente para subirlo o bajarlo. Hay que hacerlo con el puente quitado para no mellar los tornillos de apoyo. 

 


3 - Ajustar la inclinación del puente 

En la foto anterior se puede ver como estaba el puente al afinar correctamente la guitarra tal como me llegó tras cambiarle las pastillas. Se le aplicó una tensión sin mantener una afinación concreta solo para probar la electrónica. En este caso, estaba demasiado inclinado hacia el puente. 

Que el puente quede a nuestro gusto es una cuestión de equilibrio: la tensión que aportan las cuerdas debe quedar contrarrestada por la fuerza de los muelles que tensan el puente por la parte trasera de la guitarra. 


 


Si el puente está bajo significa que la tensión de los muelles es superior a la de las cuerdas y hay que reducirla. En este caso, opté por cambiar la disposición de los muelles. Si se colocan rectos en lugar de inclinados, la tensión es menor. 

 


Si eso no fuera suficiente, debería meter o sacar los tornillos que fijan la pieza de anclaje de los muelles (con el destornillador de estrella), aumentando (si alargamos los muelles) o reduciendo (si los acortamos) la tensión. 

Para cambiar los muelles, se destensan las cuerdas, se sacan los muelles y se introducen haciendo palanca con un destornillador plano. 


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En el caso contrario (puente muy levantado), hay que incrementar la tensión, bien sea colocando mas muelles (hasta 5) o introduciendo los tornillos alargando así los muelles 

Una vez rectificados los muelles hay que afinar completamente la guitarra (y ya sabemos el coñazo que resulta hacer eso con un Floyd Rose) y verificar que la inclinación es la deseada. 

Así quedó la guitarra tras el ajuste 

 

4 - Quintado del puente 

Llegamos a la parte mas temida: el quintado de la guitarra. Como ya sabeis, el quintado consiste en ajustar las selletas del puente para que suene la misma nota una octava mas alta en al aire y en el traste 12. 

El hecho que cada vez que modificas la tensión de una cuerda se modifique la afinación de las demás hace que cualquier ajuste en un Floyd Rose sea un reto. Intentaremos hacerlo fácil`.... Y como lo haces cuando tienes un puente así: 

 


Para empezar, afinamos completamente la guitarra. Y debe permanecer afinada durante todo el proceso, a excepción de la cuerda que vamos a quintar. 
Comprobamos el quintaje y decidimos hacia que lado hay que mover la selleta. Si la nota en el traste 12 es mas aguda hay que alejar la selleta de la cejilla, si es mas grave, hay que acercarla a la cejilla. 
Una vez decidimos hacia donde hay que mover, destensamos la cuerda, la quitamos (para que sea mas fácil) y movemos la selleta 


 

Tras eso, colocamos la cuerda de nuevo y afinamos nuevamente y por completo toda la guitarra. Si el movimiento no ha sido suficiente o nos hemos pasado, hay que repetirlo hasta conseguir un quintado correcto. 


 


Pues este es el proceso a seguir para las 6 cuerdas (o 7 en este caso)... Aunque he tenido suerte y solo he tenido que modificar el quintado de dos de las 7 cuerdas. 

Así ha quedado el puente, perfectamente quintado: 


 


Y para acabar.... 

5 - Afinado final 
 

Para ello, ajustar los tornillos de micro-afinación del puente mas o menos a la mitad, para tener recorrido tanto por graves como por agudos, afinar (una vez mas) por completo la guitarra, cerrar los bloqueos de la cejilla y rectificar con los tornillos de micro-afinación del puente.... 

Listo para el Dive Bombing!! 

 

Hay que traicionar un poco las ideas

 Desde hace mucho tiempo he dado por hecho el hecho de que hay cosas que no se pueden lograr.
Dicen que la utopía no es alcanzar algo, la utopía siempre es el horizonte. Cuando llegamos, siempre se aleja un poco, y un poco de eso se tratan también las ideas.
 Cuando hablamos de ideas en este caso podemos incluir principalmente todo aquello que pensamos realizar, no las utopías y los ideales, que son parientes cercanos.
Ayer he escuchado a REP decir algo que para mi ya no era nuevo, pero por suerte me lo hizo recordar: Hay que traicionar un poco las ideas.



 No se puede realizar una idea del modo idealizado, dijo, y de ese modo quedó resumido, todo aquello que no lo hice yo en su momento.
 Y cuando hablamos de traicionar, lo decimos sólo por el afán de alcanzarlas, porque la realidad nos supera, nos arrastra a un mundo que inevitablemente adapta nuestros sonidos, nuestros conceptos y proyectos a un universo, y la circunstancia, que aún siendo la mejor, siempre hay que permitirle participar, pero siempre sólo lo justo y lo mínimo, porque nunca nos es ajena, pero siempre como un socio que debe tener la menor cantidad de participación, porque la circunstancia puede aplastarte en quedarte sin hacer nada si la dejás decidir. 
 Nuestra imaginación es tan limitada y tan flexible y al mismo tiempo tan grande, infinita y tan incontable que la realidad la golpea, la transforma para poder ser real.



 El imaginario es un espacio que está en otro universo, es innegable que no se puede cambiar de ese universo sin algunos moretones.
 Las ideas deben poder ser flexibles, porque de otro modo si sólo sobreviven en nuestra conciencia, a los ojos del mundo del cual somos parte y del cual algún día buscarás ayuda para completarla, a los ojos de ese mundo no existen.
 Veo esos soldaditos que cuidan a sus pensamientos manteniendolos ahí dentro porque no logran traerlos al mundo tal como lo piensan, y ahí dentro de sus cuerpos muchas veces veo como se cambian, se esconden en ese cajón llamado olvido, como se mueren, y muchas veces como ese peso del no poder ser afecta al imaginador por esa frustración que lleva no poder dar luz a ese hijo.

La televisión

La televisión es un acto de comercio donde se intercambia emociones creadas artificialmente para hacerte sentir bien a cambio de tu tiempo, de tu vida, a cambio del silencio y de decirte que debes consumir con tu dinero, y de paso aprovecha siempre para insinuarte qué debes pensar, qué valores morales son más convenientes, como debes vestir y un sinfin de sugestiones. Cuando estás un poco necesitado de alegría, es fácil caer, pero es caro. Yo prefiero mi tiempo, mi libertad de pensamiento y sol que espera afuera y la luna en verano. Y también me quedo con mi silencio.

Pescado Rabioso - Artaud (1973)

¿Qué significa Artaudpara nuestro rock? Otra vez, encendemos el piloto automático, y lanzamos, una tras otra, las frases hechas...: La cumbre lírica de Luis Alberto Spinetta, o como un pibe de 23 años alcanzó su punto culminante en lo que respecta a la comunión entre música y literatura, poesía pero también (casi) prosa. Experimentos líricos de alto nivel. ¿Se podría haber imaginado Spinetta, en aquel lejano 1973, la tamaña obra maestra que estaba realizando, ese hito inolvidable, único e indispensable si se quiere entender ese género musical, o fenómeno social, conocido como rock Argentino?. Y ya pasaron 38 años desde el lanzamiento de este disco revolucionario e irrepetible, nada menos. Una obra que está inspirada en las lecturas de Artaud, así como por las figuras de otros atormentados personajes del arte como Vincent Van Gogh, casi en su totalidad acústico e intimo, contiene canciones repletas de imágenes sobre mundos claustrofóbicos pero bellos, que se meten en la conciencia, dejando una marca indeleble.

GÉNESIS, Y DESPUÉS…

Si bien, Artaud figura como un disco "de Pescado Rabioso", en realidad, era un disco solista de Luis Alberto Spinetta –el segundo desde Spinettalandia, 1971-. Pero, ¿por qué así?

Según Spinetta, las tensiones creadas en el seno de Pescado Rabioso -a principios de 1973- entre él y los otros integrantes del grupo eran muy notorias: (Según el propioSpinetta) "Ellos querían hacer algo mas rockero y no estaban interesados a hondar la veta lírica de Pescado 2 (...) Querían hacer los temas de David (Lebón), y entonces los mandé al carajo (...) y a Artaud lo publiqué como un disco de Pescado Rabioso, solamente para demostrarles a ellos que Pescado Rabioso era "Yo" y que yo podía armar Pescado Rabioso con ellos o con otros músicos, sin problemas... Además me parecía muy egocéntrico titular este disco como "de Luis Alberto Spinetta", (porque) eso me parecía muy pomposo.”

El Flaco grabó este disco junto a Emilio Del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García en batería, ambos ex integrantes de Almendra, y también con la participación de su hermanoGustavo en batería. Según el propio Spinetta, las letras, arreglos y solos de este disco fueron muy pensados, y ensayados, desde el vamos.Ya desde su tapa, deforme y no apta para las bateas, este era un disco molesto y único. La misma era un trapecio irregular en la que predominaban los colores amarillo y verde. Según Spinetta, para ésto se había inspirado en una carta de Artaud a Jean Paulham, que decía: "¿Acaso no son el verde y el amarillos cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia...?"

EL DISCO Y ARTAUD

Antonin Artaud (1896-1948) fue un poeta, dramaturgo y actor francés, con teorías basadas en el teatro experimental. Artaud utilizó la denominación de "crueldad" para demarcar un movimiento que tenia que dejar de lado la palabra hablada para dejarse llevar por la unión de los movimientos físicos y gestuales, además de la eliminación de las disposiciones habituales de escenario y decorados. Con los sentidos cambiados, el espectador se vería obligado a su esencia. Todo eso en el llamado Teatro de la Crueldad… En sí, este álbum refleja como impactaron en Spinetta las lecturas de textos surrealistas y malditos. Esta devoción por los hermosos malditos (no solo Artaud si no también las cartas de Van Gogha su hermano Theo) inspiraron a Luis a realizar una reelaboración que a no llegaba al grado de las citas explicitas ni a un tributo oculto, ya que el disco en si era una mera versión personal acerca de la desesperación y un “antídoto” acerca de lo que escribió Artaud. Lecturas a las que Spinetta categorizaba como "desesperantes, con locura y sufrimiento..." Por eso, creía "en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor... con amor". Para Luis, este disco era "una respuesta -insignificante tal vez- al sufrimiento que te acarrea leer las obras de Artaud...". Sin embargo, no es posible separar a Artaud de la locura que lo persiguió durante toda su existencia, ni de los mundos desesperantes que inspiraron buena parte de este disco soberbio.

LOS TEMAS

Para el análisis de los mismos nos centraremos en las opiniones explayadas por Spinettaen el libro de Eduardo Berti - Spinetta, Crónica e Iluminaciones.

1 . TODAS LAS HOJAS SON DEL VIENTO: Un autentico clásico del rock Argentino, es un

tema bellísimo, prácticamente acústico aunque al final contenga un certero solo de guitarra eléctrica. Su hermosa letra refiere, según Spinetta, a "que mi antigua mujer (Cristina Bustamante) iba a tener un hijo con otra persona. Yo ya había sellado para siempre esa relación con "El Blues de Cris", pero nos seguíamos viendo y me contó que tenia dudas sobre tener el bebé o no. Finalmente decidió tenerlo. Escribí este tema porque en ese momento ella era como una hoja en el viento al tener que decidir algo semejante."

2. CEMENTERIO CLUB: Brillante tema en clave de blues rock, bien eléctrico y punzante, que contiene una letra enigmática y depresiva (¡¡que, una vez, un crítico, en una reseña, comentó que estaba dedicada a un feto abortado!! ¡Cuasi plop!), y un solo de guitarra excelente que, como dijo Cerati, debe ser uno de los mejores (y más personales) de la historia. Recientemente, en el especial del programa Elepé dedicado a este álbum,Spinetta bromeó sobre esta canción, diciendo: "...y sí, la mina era como una heladera, un cementerio, un aire acondicionado. Le daba frió al tipo... Por eso lo de "que calor que hará sin vos en verano"... je". Sin embargo, aunque el tema hablara, en forma de ironía controlada, de la frialdad de la mujer; era muy fácil también relacionarlo con la violencia de los sangrientos años de plomo de la Argentina en los '70. No por nada, en Crónica e Iluminaciones, Spinetta contaba una anécdota en la cual él, junto a otros músicos, había sido encarcelado, por "averiguación de antecedentes" y en el calabozo encuentra que alguien había escrito en una pared "que solo y triste voy a estar en este cementerio...". Por supuesto, antes de ser excarcelado, él le agregó: “Qué calor hará sin vos en verano…”

3. POR: Este tema, curioso y simple, tiene que ver con la ruptura del sintagma, ya que su letra está formada por, simplemente, palabras sueltas: "Árbol, hoja, salto, cruz, aproximación... clavo, coito, Dios, temor, mujer, por..." Spinetta recuerda: "El tema lo hicimos con Patricia (su ex esposa y madre de sus hijos) en mi vieja casa de la calle Arribeños. Como la música ya estaba escrita todo fue cuestión de que las palabras entraran justo en la métrica. Es una lógica medio surrealista."

4. SUPERCHERIA: Esta es una canción que no sigue la veta acústica, ya que es un típico rock que

hubiese entrado muy bien en los anteriores discos de Pescado. Contiene, sin embargo, un par de cortes rítmicos y climáticos muy interesantes que lo acercan incluso al jazz. La letra habla, en forma irónica y crítica, acerca de todas las supersticiones que persiguen a los músicos y a las personas en general.

5. LA SED VERDADERA: Uno de los mas inspirados, íntimos, y personales temas que haya grabado jamás Luis, con esa letra que decía: "Se muy bien que has oído hablar de mi y hoy nos vemos aquí... Pero la paz... En mí nunca la encontrarás... sino es en vos..."Spinetta decía al respecto: "(Con ésto) Yo le hablo a alguien que está enfrente y le digo que no se crea todas las cosas, pero no hablo sólo de mí, o de mi obra, sino de toda la poesía."

6. CANTATA DE LOS PUENTES AMARILLOS: Este es quizás el tema mas impactante de Artaud y una de las obras más monumentales, desde el punto de vista lírico, que haya dado el rock Argentino jamás. Una canción de casi 10 minutos en la cual desfilan "varias formas musicales y poéticas, agrupadas en módulos diferentes entre sí", según Spinetta. En cuanto a su letra, ésta estaba inspirada en las cartas que el pintor holandés Vincent Van Gogh le escribiera a su hermano Theo, por ejemplo:

a) "Los Puentes Amarillos": El único puente amarillo que puede observarse en la obra deVan Gogh es en un retrato del puente levadizo de Langlois en Arles.

b) "Aquellas sombras del camino azul, donde están / yo las comparo con cipreses que vi solo en sueños": Uno de los cuadros mas conocidos de Van Gogh lleva por título "Camino con Cipreses".

c) "Mira al pájaro, se muere en su jaula": En una de sus cartas, Van Gogh reflexiona acerca de la melancolía de un pájaro que lo tiene todo, ya que no le falta ni comida, ni salud, pero que sin embargo se muere por ser libre como los demás pájaros.

d) "Con esta sangre alrededor": Según Spinetta: "Es la sangre de la herida de la oreja de Van Gogh y la sangre de Heliogábalo cuando lo tiran a las letrinas de la ciudad." Ya que son, justamente, los libros de Artaud, "Heliogábalo, el Anarquista Coronado" y "Van Gogh, El Suicidado por la Sociedad", dos de las obras que mas tienen que ver con este disco.

7. BAJAN: Otro hermoso tema de Luis, y uno de los mejores que haya compuesto en toda su carrera. De más está decir que es notoria la adoración que Spinetta originó durante toda su carrera en sus colegas. Una muestra de eso se vio cuando Gustavo Cerati grabó, en 1993, una versión de "Bajan" en su álbum, debut como solista, Amor Amarillo. también, mas tarde, Cerati, reconocido "fan" de Spinetta, también homenajearía al memorable solo de "Cementerio Club" al incluirlo en la versión de "Te Para Tres", realizada en el Unplugged que Soda Stereo realizó para la cadena MTV en 1996. Luego, en marzo de 2007, ambos músicos se juntarían en un escenario –por primera vez- para tocar estos dos temas en medio de una multitudinaria presentación de Cerati en un concierto al aire libre organizado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

8. A STAROSTA, EL IDIOTA: Otro gran tema, en este caso dedicado a Starosta. Pero, ¿quién es Starosta? Según Spinetta: "Starosta no es nadie y a la vez somos todos. Cuando yo era chico había una marca de figuritas que se llamaba Starosta y también una marca de cucuruchos de helado... Después cuando tenia que hacer la letra de este tema me acorde de Starosta, que para mi es el nombre de un idiota. Nadie se puede llamar así..." Además, en una parte de esta canción se escuchan unos sonidos ambientales y el lejano eco de Los Beatles cantando "She Loves You". Y después vuelve Spinetta, quien canta: "no llores mas, ya no tengas frió / no creas que ya no hay mas tinieblas...", como si ésta fuera una forma de consolar al personaje. Pero, sin embargo, luego parece cansarse de todo esto y se rinde, culminando la canción con una de las líneas más memorables e inolvidables escritas jamás en el rock argento: "El idiota...Ya nada puedo hacer por él... él se quemará, mirando al sol... / vámonos de aquí." (Nota: Curiosamente, no hace mucho, apareció en varios programas de TV, un personaje mediático de apellido Starosta (¡y “amigo” de Ricardo Fort!) que representaba muy bien el papel de “idiota”, como este “antepasado” suyo, retratado por Spinetta en esta canción.)

9. LAS HABLADURÍAS DEL MUNDO: Este tema que cierra el disco es casi el derecho al pataleo de Spinetta hacia todas las habladurías que se decían sobre su persona: "Entonces se comentaba que yo estaba saliendo con tal o cual mina, o que me inyectaba; la canción responde a todo lo que siempre se dice de alguien que es famoso, que se hace público." Más claro, echale agua, ¿o no?. Sin embargo, Luis también canta aquí que "las habladurías no pueden alcanzarme", toda una declaración de principios, como restándole importancia a la cuestión.

EPILOGO:

¿Qué más se puede agregar de este disco que no se haya dicho ya...? Otra vez, queArtaud es un disco indiscutible y clásico. Una verdadera obra maestra que eternizó el legado inmenso de este artista  indispensable y complejo. Un artista que conjuró lirismo, imaginación e intención: el Sr. Luis Alberto Spinetta.

Emiliano Acevedo.-

(BIBLIOGRAFÍA: "Spinetta, Crónica e Iluminaciones", de Eduardo Berti, Editora AC, 2da Edición, Bs. As., 1989)
Fuente: http://secinicial.blogspot.com.ar/2011/11/pescado-rabioso-artaud-1973.html